Archivpigmentdruck, gedruckt auf Hahnemühle Museum Etching Paper
Fotografie, digitale Malerei
Künstleretikett und Signatur auf der Rückseite
Konzept der Serie Paint:
Ich kam zur Paint-Serie, indem ich meinen Instinkten als Betrachter und Künstler folgte und meinem Wunsch nach ästhetischem Vergnügen nachkam. Meine ganze Liebe zur Kunst des 19. und frühen 20. Jahrhunderts zeigt sich hier, ebenso wie die Entscheidung, meine Inspiration von zwei verschiedenen Seiten zu betrachten – als Schöpfer und als Modell, die fest miteinander verbunden und doch einander entgegengesetzt sind. Einerseits profitieren sie voneinander, andererseits gibt es einen Konflikt zwischen diesen beiden Entitäten.
Wenn man sich unerwartet in diesen Prozess des Studiums des Themas der Interaktion zwischen Autor und Modell einlässt, gewinnt man überraschend neue Informationen über sich selbst. Man lässt seine inneren Dämonen frei. Es ist erstaunlich zu beobachten, wie die kreative Forschungsenergie in sexuelle Energie und wieder zurück umgewandelt wird. Sehr oft wird in der Porträtmalerei eine feine Linie in der Beziehung zwischen dem Schöpfer und dem Modell gezogen. Ich lade zusätzlich einen Dritten, den Betrachter, zum Dialog ein. Ich erlaubte mir zum ersten Mal, mich öffentlich zu zeigen. Viel mehr noch, ich erlaubte den dargestellten Figuren, sich zu zeigen, und durch sie auch mein eigenes Ich. Es ist interessant, dass das Tabu um die Präsentation des nackten Körpers im Falle der Kunst verschwindet. Es geht nicht nur um körperliche Nacktheit, sondern auch um die Freisetzung gestauter sexueller Energie. Der nackte Körper in der Kunst hat eine enorme Wirkungsmacht sowie die Fähigkeit, das Unterbewusstsein des Betrachters zu durchdringen. Der Künstler, indem er den Körper des Modells ganz oder teilweise vor dem Betrachter entblößt, setzt auch seine eigenen Emotionen, Wünsche und Ängste frei.
Gleichzeitig war es für mich interessant, zwei Techniken – digital und Malerei mit „echten“ Materialien – und zwei Kunstformen, nämlich Fotografie und Malerei, zu kombinieren. Um die Tiefe, Intimität und Erotik der Beziehung zwischen Künstler und Modell widerzuspiegeln, habe ich viel Farbe verwendet. In dieser Serie spielt sie eine zentrale Rolle.
Ich kam zur Paint-Serie, indem ich meinen Instinkten als Betrachter und Künstler folgte und meinem Wunsch nach ästhetischem Vergnügen nachkam. Meine ganze Liebe zur Kunst des 19. und frühen 20. Jahrhunderts zeigt sich hier, ebenso wie die Entscheidung, meine Inspiration von zwei verschiedenen Seiten zu betrachten – als Schöpfer und als Modell, die fest miteinander verbunden und doch einander entgegengesetzt sind. Einerseits profitieren sie voneinander, andererseits gibt es einen Konflikt zwischen diesen beiden Entitäten.
Wenn man sich unerwartet in diesen Prozess des Studiums des Themas der Interaktion zwischen Autor und Modell einlässt, gewinnt man überraschend neue Informationen über sich selbst. Man lässt seine inneren Dämonen frei. Es ist erstaunlich zu beobachten, wie die kreative Forschungsenergie in sexuelle Energie und wieder zurück umgewandelt wird. Sehr oft wird in der Porträtmalerei eine feine Linie in der Beziehung zwischen dem Schöpfer und dem Modell gezogen. Ich lade zusätzlich einen Dritten, den Betrachter, zum Dialog ein. Ich erlaubte mir zum ersten Mal, mich öffentlich zu zeigen. Viel mehr noch, ich erlaubte den dargestellten Figuren, sich zu zeigen, und durch sie auch mein eigenes Ich. Es ist interessant, dass das Tabu um die Präsentation des nackten Körpers im Falle der Kunst verschwindet. Es geht nicht nur um körperliche Nacktheit, sondern auch um die Freisetzung gestauter sexueller Energie. Der nackte Körper in der Kunst hat eine enorme Wirkungsmacht sowie die Fähigkeit, das Unterbewusstsein des Betrachters zu durchdringen. Der Künstler, indem er den Körper des Modells ganz oder teilweise vor dem Betrachter entblößt, setzt auch seine eigenen Emotionen, Wünsche und Ängste frei.
Gleichzeitig war es für mich interessant, zwei Techniken – digital und Malerei mit „echten“ Materialien – und zwei Kunstformen, nämlich Fotografie und Malerei, zu kombinieren. Um die Tiefe, Intimität und Erotik der Beziehung zwischen Künstler und Modell widerzuspiegeln, habe ich viel Farbe verwendet. In dieser Serie spielt sie eine zentrale Rolle.
GRÖSSE
40 x 28 cm (15 3/4 x 11 in), Auflage von 15 plus 2 APs
120 x 84 cm (47 1/4 x 33 1/8 in), Auflage von 8 plus 2 APs
COA
Diese Arbeit wird mit einem COA des Künstlers sowie von LIGHTWORKS geliefert.
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For Klimt, 2006
Katerina Belkina